Après Les Bas-fonds du Baroque, la Rome du vice et de la misère, en 2015, et Luca Giordano (1634-1705), le triomphe de la peinture napolitaine, en 2019-2020, le Petit Palais présente la première rétrospective française consacrée à Jusepe de Ribera, grand peintre du XVIIe siècle d’origine espagnole qui a fait toute sa carrière en Italie.

L’exposition retrace l’ensemble de son œuvre grâce aux dernières découvertes scientifiques qui ont permis d’augmenter le corpus de ses jeunes années avec un ensemble de peintures préalablement attribuées au «  Maître du Jugement de Salomon  ».

L’exposition embrasse les deux temps forts de sa carrière, son séjour à Rome puis à Naples et ambitionne de démontrer le rôle majeur et pionnier de l’artiste dans l’interprétation du Caravage.

Cette rétrospective présente une centaine de peintures, dessins et gravures empruntés à de nombreux musées internationaux comme le Metropolitan Museum of Art (New York), le Prado (Madrid), la Galerie Borghèse (Rome), le Museo di Capodimonte (Naples), le Palazzo Pitti (Florence), le British Musem (Londres), mais aussi français tels que le Louvre, le musée des Beaux-arts de Rennes, le Palais des Beaux-arts de Lille et tant d’autres.

Jusepe de Ribera, Saint Jérôme et l’ange du Jugement dernier, 1626. Huile sur toile, 262×164 cm. Museo e Real Bosco di Capodimonte, Naples. © Museo e Real Bosco di Capodimonte.

Qui ne connaît la perle, recherchée depuis la haute Antiquité et source d’inspiration des plus grands joailliers modernes ? Mais qui sait qu’elle fut au cœur d’un intense commerce entre le golfe Arabo-Persique et la France entre la fin du XIXe siècle et le milieu du XXe siècle ? Qui surtout se souvient qu’elle fut pendant des décennies au cœur de l’industrie du luxe et de la culture parisienne ?

C’est l’histoire oubliée d’une incroyable aventure artistique, commerciale et humaine que conte l’exposition « Paris, Capitale de la Perle », organisée par L’École des Arts Joailliers du 21 novembre 2024 au 23 mars 2025.

Riche de l’histoire du site des Invalides, le musée de l’Armée réuni dans un nouveau parcours 350 ans d’histoire et de mémoires. Ce parcours novateur marque une étape majeure pour le visiteur qui découvre les multiples facettes de l’Hôtel national des Invalides par une mise en lumière des trésors du musée.

Ce parcours, ouvert au public en juillet 2024, est composé de trois espaces qui composent les premières étapes du grand projet d’extension et de transformation MINERVE. Le musée de l’Armée affirme sa singularité en racontant l’histoire du lieu qui forme l’écrin de ses collections.

En jouant pleinement son rôle muséal envers le site des Invalides, en racontant son histoire à travers les siècles et valorisant la singularité d’un lieu de vie aux multiples facettes, le musée de l’Armée consolide encore le lien étroit qui l’unit à ce patrimoine d’exception. Cette démarche fait du musée de l’Armée un véritable « musée de site », unique en son genre.

La visite proposée permet de retracer l’histoire des Invalides, témoin majeur de l’histoire de France, site régalien dès sa fondation en 1674, d’abord hôpital sous l’Ancien régime, puis panthéon militaire sous l’Empire, et enfin site patrimonial sous la République.

Dans l’ancien réfectoire Vauban, trois siècles d’histoire sont évoqués à travers des œuvres singulières. Dans une scénographie novatrice et créative, le visiteur découvre ainsi aux travers de 26 œuvres dont le plan relief du site des Invalides restauré, une maquette unique représentant l’édifice à l’époque de Louis XIV, ainsi que des œuvres et objets emblématiques liés au Dôme des Invalides, une salle aux peintures murales préservées, à la gloire des conquêtes du Roi Soleil ou encore la vitrine reliquaire des souvenirs de Napoléon Ier.

Un cheminement central permet une déambulation chronologique tout en conservant la perception des volumes du réfectoire. Le visiteur est appelé à découvrir dans cet espace la vie quotidienne d’un soldat aux Invalides tant par le mobilier d’époque que par des objets montrant l’importance de la dimension régalienne.

Crédit photo : ©Paris, musée de l’Armée/Anne-Sylvaine Marre-Noël

Laisser-passer valable pour une personne, pour une visite jusqu’au 2 février 2025.

Antoine Bourdelle (1861-1929) admira Auguste Rodin (1840-1917), de vingt ans son aîné.
Bourdelle travailla pour lui pendant quinze années comme praticien, c’est-à-dire comme artisan chargé de tailler des marbres. Le maître perçut en cet héritier, volontiers indocile, un « éclaireur de l’avenir ».
À partir de 1893, les deux hommes se voient régulièrement, échangent des lettres, des œuvres et partagent la passion de la collection. À compter de 1911, leurs liens personnels se distendent.

Parallèles, souvent superposées, leurs trajectoires se croisent en autant de dialogues plastiques. La confrontation de ces deux sculpteurs majeurs de la fin du 19e siècle et du début du 20e siècle donne à voir les fraternités et réciprocités comme les divergences et antagonismes de deux univers porteurs des enjeux majeurs de la sculpture moderne.

Visite Privée libre de l’exposition « Pop Forever, Tom Wesselmann & … » avant ouverture au public

Exposition Pop, à la scénographie riche en rebonds, « Pop Forever, Tom Wesselmann & … » oscille entre la présentation monographique d’œuvres de Tom Wesselmann et la confrontation avec les travaux de ses aînés, contemporains et cadets rejoignant l’esthétique Pop.

Répartie sur les quatre étages de la Fondation, elle présente une sélection de 150 œuvres et regroupe, en outre, 70 œuvres de 35 artistes de générations et nationalités différentes qui partagent une sensibilité « Pop », allant de ses racines dadaïstes à ses prolongements contemporains, des années 1920 à nos jours.

Tom Wesselmann, Mouth #14 (Marilyn), 1967 – Mugrabi Collection © ADAGP, Paris, 2024 Photo : © Jeffrey Sturges

Depuis 2021, la Maison de Victor Hugo poursuit son cycle d’expositions monographiques consacrées à des peintres liés à Victor Hugo. Après François-Auguste Biard, Louis Boulanger et Georges Hugo, c’est François Chifflart (1825-1901) qui sera mis en lumière cet automne à travers 170 pièces rassemblées pour l’occasion.

Le musée rend hommage à ce maître du noir et blanc complétant son fonds important par des prêts de nombreuses institutions particulièrement du musée de l’Hôtel Sandelin de Saint-Omer et de la Bibliothèque nationale de France, offrant ainsi une rétrospective à un artiste qu’il importait de faire redécouvrir.

Son esprit indépendant et révolté contre l’académisme et le pouvoir en place a raison de la carrière prometteuse qui s’offrait à lui après l’obtention du grand prix de Rome en 1851.

Cet admirateur de Hugo exprimera son talent dans les arts graphiques : aquafortiste hors pair, il participe par ses « improvisations sur cuivre » au renouveau de l’eau-forte ; dessinateur inspiré, il réalise des illustrations des Travailleurs de la mer en 1869, puis exécute les dessins pour Notre-Dame de Paris et La Légende des siècles, devenues depuis des icônes hugoliennes. Pour Le Monde illustré, il fixe aussi dans la mémoire collective les incendies parisiens de la Commune.

Cette visite sera conduite par Monsieur Gérard Audinet, directeur des Maisons de Victor Hugo, Paris / Guernesey et sera suivie par la présentation de quelques feuilles de Victor Hugo.

À l’occasion d’un partenariat exceptionnel entre le Musée Jacquemart-André et la Galerie Borghèse, cette exposition présente pour la première fois en France un ensemble de plus de quarante chefs-d’œuvre issus de la célèbre collection romaine.

Offrant un panorama de l’art de la Renaissance au XVIIe siècle, elle invite à (re)découvrir les créations de maîtres tels que Caravage, Bernin, Titien, Véronèse, Botticelli, Raphaël, Rubens, Jacopo Bassano, Lorenzo Lotto, Antonello da Messina, Giovanni Baglione, et Annibal Carrache, ainsi que d’autres grands artistes de l’époque. En explorant les thématiques et les inspirations qui caractérisent ces œuvres, l’exposition célèbre le génie créatif de ces artistes et l’héritage durable laissé par Scipion Borghèse, leur illustre collectionneur.

La collection Borghèse fut initiée au début du XVIIe siècle par le cardinal Scipion Caffarelli-Borghèse, homme ambitieux au goût raffiné, considéré comme l’un des plus grands mécènes de l’histoire de l’art. Favorisé par sa position influente en tant que neveu du pape Paul V, Scipion Borghèse n’a reculé devant aucun moyen pour développer sa collection, et fit édifier à Rome une somptueuse villa pour l’abriter.

Cette remarquable collection a traversé les siècles, continuant de s’enrichir malgré quelques épisodes de dispersion. Transformée en musée au sein de la Villa Borghèse, la Galerie Borghèse reste un symbole éclatant de la prospérité culturelle et artistique de la Rome baroque.

Caravage, Garçon à la corbeille de fruits, vers 1596, huile sur toile, 70 x 67 cm, Galleria Borghese, Rome © Galleria Borghese / ph. Mauro Coen